Répertoire des membres

Catherine Aboumrad a obtenu son baccalauréat en beaux-arts, majeure en photographie, avec distinction de l’Université Concordia, en plus d’avoir étudié la photographie au Cégep du Vieux-Montréal. Elle a participé à plusieurs expositions et festivals tels Guatephoto, le festival de photographie contemporaine du Guatemala et À louer, organisée par UMA-La Maison de l’image et de la photographie. Son travail fait parti de collections privées dont l’Art-in-Buildings Collection de New York.

Jorge Aguilar est né au Mexique en 1973.  De 1993 à 1996, il étudie la technique de la sculpture d’argile avec l’un des plus prestigieux sculpteurs de ce pays, Javier Marín.  Il développe par la suite ses talents en poursuivant des cours de dessin à la Antigua Academiade San Carlos au Mexique.  Depuis 1997, il travaille seul à la sculpture et la peinture.  Il vit à Montréal depuis 2004.

Est inscrit dans le Répertoire de la diversité artistique de Montréal, est inscrit comme artiste professionnel au RAAV (Reagropuement des artistes en arts visuels) et membre honoraire à vie du Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire.  Il a gagné le 2e et 3e prix (accompagné d’une bourse) au Festival des arts de Saint-Basile-Le-Grand en 2011 et 2008 respectivement.

Il a donné des conférences dans le cadre des journées de la culture au Centre Culturel Henri-Lemieux, à Lasalle en 2009 et donné des cours de sculpture dans le cadre des activités parascolaires à l’école Bedford de la Commission scolaire de Montréal en 2008-2009.

Il participe à l’encan du Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire pour souligner le 15e anniversaire de l’institution en 2010.  Il a également pris part à l’encan de la Fondation Jeunesses Musicales du Canada en 2008.  Cette même année, il a exposé lors du festival Rêves d’automne, Festival paysages en peinture 2008, à Baie-Saint-Paul dans le cadre des activités en tant que Capitale culturelle du Canada 2007.  Jorge Aguilar a aussi été de laFête des arts de 2007 à Saint-Basile-Le-Grand, Québec, et du Festival du monde arabe la même année.  En 2007 et 2005, il a été représenté par la galerie Option Art aux foires internationales Sculpture Objects and Functional Art (de Chicago, Palm Beach  et New York en 2007 et 2005.

Jorge Aguilar il a réalisé plus de 40 expositions individuelles et collectives au Mexique et au Canada, telles que Morceaux de vie, Galerie les 3 C, Centre culturel Henri-Lemieux, à Montréal, La nature en mouvement, (tandem avec Jordi Bonet), Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire, Québec, Canada, C’est ça la vie, Galerie Art’Américas, Montréal, Art sans frontières,, Centre culturel et sportif Regina Assumpta, à Montréal, Obra reciente Jorge Aguilar, Galerie JLS, Valle de Bravo, Edomex, Mexique, Jorge Aguilar, Redondeces soñadas, Université de Aguascalientes, Aguascalientes, Mexique, Votre âme est un paysage choisi au Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire, Québec, Cruzando miradas, Galerie du Conseil de la sculpture du Québec, Montréal, Con el Barro... Platicando, Museo Casa León Trotsky, Mexico, D.F., Mexique, Petits formats des artistes de la galerie, Galerie Valentin, à Montréal, Colectiva 2010, Galerie JLS, Valle de Bravo, Équipe Mexi-Que-Bec, Galerie Espacio México du Consulat du Mexique à Montréal.

Ses œuvres font partie de collections publiques et privées au Mexique, Canada, Chili, États Unis, France, Singapour, Hong Kong et Suisse.

Francesca Alepin Kneider
Artiste verrier et peintre / Influence et démarche artistique
www.alepinkneider.com

Diplômes
Créativité Université de Montréal
Design d’Intérieur Académie Internationale du Design
Feng Shui et Bazi Centre d’Excellence de Feng Shui

1990 Fin de la formation en design d’intérieur. Carte blanche pour l’aménagement d’une résidence. Attrait pour le verre en tant que matière au service de l’art intégré à l’architecture.

C’est le début de multiples projets de création à l'échelle nationale et internationale, c’est le début de tout. De nombreuses créations de verre intégrées à l’architecture, des œuvres exclusives, des verrières, sculptures, tableaux, tables, portes, murales, pièces de contemplation, tuiles, centres de table, luminaires, chaises… des œuvres de série telles que des objets utilitaires, de nouveaux produits dont les célèbres lavabos de verre HECTARUS®.

Beaucoup de visibilité dans les tribunes de créations et les salons internationaux de design, beaucoup de support médiatique…

Reconnue par le Ministère de la Culture et des Communications du Québec pour les œuvres de verre intégrées à l'architecture.

Développement personnel marqué par un engagement de dix ans à un « programme des maîtres » en études méditatives et spirituelles. Beaucoup de retraites en Oregon, aux Etats-Unis, beaucoup de pratiques méditatives formelles et moins formelles…

Beaucoup de pratiques méditatives, beaucoup de créations artistiques !

En pleine émergence, cette intensité mène inévitablement à la rencontre de Marcelle Ferron (1924-2001), artiste peintre et artiste verrier, signataire du « Refus global », une figure importante sur la scène de l’art contemporain du Québec. Nous avons en commun celui qui produit nos créations de verre. Une complicité s’installe par une étroite collaboration à ses œuvres monumentales de verre pour les projets d'intégration des arts à l'architecture dans le cadre du Programme 1% du Ministère de la Culture et des Communications du Québec. Les dix dernières années de ce « grand maître » sont mes premières années artistiques prolifiques, le fait d’avoir travaillé sur ses projets a certainement influencé les miens...

2009 Début des écritures, autant par les mots que par la peinture. Écrits sur la conscience appliquée en arts visuels et holistiques, attrait pour les papiers japonais, l'encre, l’aquarelle et la peinture acrylique.

2017-2018 Diffusion exclusive des tableaux par Galerie Blanche à Montréal.
2018 Exposition solo de peinture représentée par Galerie d’Arts Contemporains à Montréal.
2018 Galerie d’Arts Contemporains à Montréal.
2019 Beaux-Arts des Amériques
2019 Musée des beaux-arts de Mont-Saint-Hilaire
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Depuis 1991, Francesca Alepin Kneider est la signature des conceptions artistiques de la marque de commerce HECTARUS®, elle est récipiendaire de nombreuses mentions honorifiques, subventions, bourses et prix d’excellence.

Née à Val-Morin dans les Laurentides elle entreprend sa vie très jeune et s'accomplit dans divers projets toujours de nature plutôt cartésiens. Au début de la trentaine, elle rencontre des gens d'affaires qui l'ont amenée à se dépasser en relevant des défis dans une nouvelle entreprise québécoise. Ayant un profil d'entrepreneure elle en fait sa priorité de vie professionnelle pendant 35 ans. La vie met sur sa route une rencontre qui change sa vie. Suite à une parution dans un journal, elle est attirée par la présentation de Raymonde Perron professeure artiste peintre et décide d'aller voir. Voila que la passion du professeur se transmet rapidement et la petite fille timide et rêveuse enfin émerge. Elle devient une passionnée et continue son histoire, heureuse épanouie elle ne cesse de créer avec toutes ses couleurs qui lui permettent d'exprimer sa joie de vivre.

Originaire de Montréal, Nathalie Ampleman vit actuellement dans les Cantons-de-l’Est. Artiste photographe professionnelle depuis 25 ans, elle a réalisé des études de 2e cycle en pratiques artistiques actuelles à l’Université de Sherbrooke après avoir obtenu une bourse du Conseil des arts et de la culture en 2012 pour son projet Empreinte résiduelle. Ses œuvres ont été exposées, entre autres, au Centre international d’art contemporain de Montréal et sont présentées en France et dans divers musées régionaux ou galeries d’art depuis 2010.

"Tel l’alchimiste qui recherche l’aventure et le hasard, j’expérimente différentes façons de fabriquer les images en combinant les imprévus et les accidents des procédés photographiques historiques à la photographie numérique. Ces différents procédés sont les déclencheurs de ma démarche. Travaillant sur plusieurs stades de la matière photographique, je peux la moduler à ma guise. Dans un monde de dématérialisation où tout semble nous échapper, ils sont les refondateurs d’un rapport au réel."

Fiona utilise une vaste gamme de technologies médiatiques et hybrides afin d'explorer les tensions entre le concept et la matière et ainsi sélectionner les processus et les rythmes qui amplifient les idées qui définissent chacun de ses projets. Cette méthode de travail s'accompagne d'un intérêt pour la façon dont le passé détermine le présent. À cet égard, le préfixe 're' est en utilisation constante : retour, revenant, remédier et réinventer, tous des mots qui se retrouvent dans les écrits qui décrivent ses divers projets. Cette approche anachronique elle a menée vers des recherches sur la relation étrange de la photographie avec le passé et à explorer les différents matériaux, images et technologies dans la quête de nouvelles significations.

Fiona a présenté des expositions dans des centres d’artistes, des galeries et des musées au Canada et à l’étranger, incluant l’Institut AC (New York), le Centre canadien d’architecture (Montréal), l’Université Goldsmith (Londres), la LowSalt Gallery (Glasgow), Gallery44 (Toronto), VU Photo (Québec) et The Art Gallery of Alberta (Edmonton). Ses projets ont été publiés dans Public: Art/Culture/Ideas, BlackFlash Magazine, Front: Contemporary Art & Ideas, et Imagining Science, gagnant du New York Book Show Award. Ses œuvres font partie des collections du Musée des civilisations, de la Penumbra Foundation (New York) et de plusieurs collections privés. Au cours de résidences d'artiste à Rad’art (Italie, 2016), DAÏMÕN (Gatineau, 2015), Caravansérail (Rimouski, 2015), Eastern Bloc (Montréal, 2013) et Penumbra Foundation (New York, 2012), elle revisite des techniques photographiques anciennes, questionnant les façons dont ces dernières peuvent continuer d’éclairer notre contexte contemporain. Fiona poursuit également une collaboration continue avec la Société des Archives Affectives, incluant des projets tels que L'étreinte des temps, un projet d'art public à grande échelle sur l'un des trois sommets du Mont-Royal à Montréal.

Courte biographie

Dans ses œuvres, un mécanicien expérimenté peut facilement reconnaître avec précision des pièces de voitures, de moteur et de ferraille. Souvent, les pièces de moteurs sont encore situées dans leur emplacement d'origine qui est ici le scrap yard. Ces pièces mécaniques dénaturées renferment en elle-même un historique de danger et de fatalité qui révèle une présence humaine particulière.
Christiane Arbour est née à Montréal et est titulaire d'une maîtrise en arts de l'Université Concordia. Elle enseigne l’art depuis plusieurs années. Elle considère que le dessin est la base de l'art pictural, qu’elle utilise pour atteindre un certain réalisme. Par conséquent, son travail à l'huile et ses dessins sont perçus à la limite du réalisme et de l’abstrait. Elle a participé à plusieurs expositions.

Pascale Archambault vit et travaille à L’Avenir. Depuis 1978 elle se consacre à la sculpture, principalement de taille directe dans la pierre qu'elle intègre avec ingéniosité à d'autres matériaux. Son œuvre figurative aborde ses sujets avec mordant et humour noir.
Nonobtant son originalité, son travail de sculpture axé sur le corps humain, est fortement influencé par la tradition statuaire. De fait, sa figuration associant fragments de corps et objets utilitaires recyclés, lui permet de créer des images suggestives – souvent narratives – de l’être et de son évolution.
Ses œuvres publiques sont installées à Québec, Lévis, Montréal et dans plusieurs pays du monde dont la France, l'Agentine, Uruguay, Corée du Sud, Guatemala et au Chili.

Née à Montréal, Lyette Archambault s’est toujours intéressée à la peinture. Elle perfectionne son art depuis 2004 et participe à plus d’une cinquantaine d’expositions individuelles et collectives, au Québec, au Canada et en Europe, ou elle obtient de nombreux prix.

Ses œuvres font partie de collections corporatives et privées au Canada, en France, aux États – Unis, en Russie et en Ukraine.

Sa peinture se manifeste principalement à travers des personnages réalisés au pastel sec ou à l’acrylique. Sa formation en art dramatique influence sûrement cette représentation d’êtres imaginaires, émouvants, graves ou naïfs.

Lyette Archambault est membre professionnelle du Regroupement des artistes en arts visuels du Québec (RAAV), de la Société de Pastel de l’Est du Canada (PSEC) et de l’Académie Internationale des Beaux-Arts du Québec(AIBAQ)

Après avoir oeuvré plus de trente ans dans le domaine du graphisme en publicité et effectué quelques incursions en peinture au cours de ces années, je consacre maintenant mes énergies à une démarche picturale où je peux m'exprimer en toute liberté, sans restriction ni contrainte.

Toute jeune, Marie-Claude baigne dans les arts visuels.
Son père photographe collectionne les œuvres d'art
d’artistes reconnus comme Jordi Bonet. Une murale
s’impose dans le salon et fait rêver la jeune fille. Elle se
promet à elle-même qu'un jour elle sera de ce milieu qui
l’attire et la rend heureuse. C’est plus tard, devenue adulte
et accompli, qu’elle décide de se lancer, car une passion
profondément ancrée ne se refoule point... mais
plutôt resurgi plus intensément

Marie-Claude se passionne avant tout pour les portraits.
Elle aime capter les traits, les formes et saisir
l’énergie des personnages dans leurs univers intérieurs
afin de faire rayonner leur âme.

Le sujet de ces œuvres évolue continuellement. À ses débuts,
elle peint des fleurs de grands formats et transpose en peinture
la grâce des ballerines. Elle explore maintenant l’univers
du ressenti venant de son for intérieur, pour interpréter
le monde subtil qui l’entoure. L’activité émergente de ses
nouvelles créations apporte une aura de lumière intense
représentée par une poussière d’étoiles que partagent
ses personnages. C’est le reflet de l'intensité de sa vie
qu’elle transpose et cherche à partager.

Sa force de caractère et sa joie de vivre lui permettent
d’exploiter un sujet spirituel qui parle de l’être lumineux
présent dans chaque humain. Elle puise dans la richesse
de son vécu et la transcendance de son quotidien afin
de produire des œuvres qui émet une vérité profonde.

Né en 1950 à Montréal, Arseno vit et travaille au Québec, à Sherbrooke dans les Cantons de l’Est. Pendant plus de cinq ans, il a reçu une formation artistique de niveau universitaire à l’Académie Art & Beaux-Arts, sur la rive sud de Montréal. Il a étudié la Composition picturale dans l’espace-tableau, la Critique d’œuvres de toutes tendances et l’Histoire de l’Art, avec l’historien et critique d’art international, M. Sam Aberg.

Arseno est membre professionnel du R.A.A.V. (Regroupement des Artistes en Arts Visuels du Québec) publié dans le Répertoire Biennal des Artistes Canadiens en Galeries de Magazin’Art et fait partie, depuis 2001, des artistes permanents de la galerie Michel-Ange à Montréal. Il a également exposé à New-York, Toronto et Vancouver. Ces œuvres font partie de collections publiques et privées au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Australie. Il a enseigné la composition à l’U.T.A. de l’Université de Sherbrooke. Il est copropriétaire de l’école « Atelier Beauvoir »de Sherbrookeoù il donne des cours sur la Composition picturale dans l’espace-tableau; (crédités au Certificat en Arts Visuels de l’Université de Sherbrooke), ainsi que des ateliers de créativité et de coaching en peinture. Il a été président d'honneur en 2005 pour Estiv'Art (Magog, Qc.), juge pour pour l'exposition concours 2011 « Aux Trésors de la Grange » et pour la sélection 2011 et 2015 pour l'exposition collective VisaArt (Estrie, Qc.) et

Ginette Ash est native de Rouyn-Noranda. Elle a étudié en arts plastiques à l'Université du Québec à Trois-Rivières (UQTR). En 1975, détentrice d'un baccalauréat en arts plastiques et en pédagogie, elle enseigne les arts plastiques aux niveaux secondaire et collégial au Collège de Lévis et, plus tard, au Collège Mérici à Québec. Malgré le travail très exigeant du domaine de l'enseignement, elle demeure active sur la scène artistique régionale depuis 1978.

Après 34 ans de loyaux services et d'amour pour la profession, elle prend sa retraite et décide de reprendre ses pinceaux et peindre à temps plein. Depuis 2009, elle participe intensément à des expositions collectives et personnelles ainsi qu'à des symposiums. Elle a à son actif plus d'une centaine d'expositions collectives. Tout au long de sa carrière professionnelle, elle s'inscrit à divers cours auprès de professeurs chevronnés pour se perfectionner. Passionnée de désign, tout en travaillant, elle fait également des études en désign d'intérieur aux Ateliers Imagine à Québec, de 1991 à 1994. Tout en continuant à enseigner à temps plein, elle ouvre son commerce de décoration intérieure sous la bannière Décoration Excellence. Elle y travaille de 1995 à 2017 avec son mari.

En octobre 2009, elle s'inscrit en tant que membre de l'Association des artistes de la Rive-Sud (AARS). Elle rencontre d'autres artistes avec qui elle partage son expérience et s'enrichit de la leur. Elle expose dans le Grand Lévis. En août 2011, elle est devenue membre de l'Académie internationale des beaux-arts du Québec (AIBAQ), en tant qu'artiste professionnelle. De janvier 2012 à décembre 2016, elle obtient régulièrement des votes du publics pour plusieurs de ses oeuvres et obtient plusieurs prix et reconnaissances. En septembre 2012, elle devient membre de la Société artistique et culturelle de Québec (SACQ) qui lui permet de faire des expositions à Québec. On la retrouve à L'espace contemporain galerie d'art de Québec, la Maison O'Neill, la Maison de la culture de l'Ancienne-Lorette, le Domaine des Maizerets, la Galerie Gruais et Grondin à la Place de la Cité à Sainte-Foy, la Galerie Chez Alfred-Pellan, la Galerie des Deux-Ponts à Saint-Nicolas et à la Galerie Louise-Carrier de Lévis. À l'automne 2014, elle devient membre professionnelle du Collectif international d'Artistes Art Zoom (CIAAZ) qui lui ouvre les portes à des événements internationaux.

Passionnée des arts, elle s'est investie en tant que bénévole dans son milieu de travail et dans des associations artistiques, dont l'Association des artistes de la Rive-Sud (AARS), en tant que rédactrice et productrice du journal Le babillard publié quatre fois par année jusqu'en mars 2015. Après cette date, le Conseil d'administration de l'AARS a jugé bon de cesser la parution de ce journal car on retrouvait les mêmes informations sur le site et dans l'Infolettre.

En mars 2016, elle a le privilège d'être présidente d'honneur (pour célébrer ses 40 ans de carrière professionnelle), pour La Grande Exposition Internationale des artistes d'Art Zoom à L'espace contemporain galerie d'art de Québec. De plus, elle a l'honneur d'avoir un article intitulé «GINETTE ASH - les couleurs de la nature» dans la revue française Art & Design numéro 9, août septembre et octobre 2016.

Artiste multidisciplinaire, «je peins principalement à l'acrylique et exploite davantage les techniques mixtes. J'introduis dans mes tableaux du relief en ajoutant des pâtes de structure, divers papiers que je froisse, déchire et maroufle sur mon support pour former des veinures et créer ma toile de fond propice à l'élaboration de l'oeuvre. Je travaille par superpositions de couleurs en fines couches de glacis en alternance avec le médium brillant vernis pour obtenir des transparences, augmenter l'intensité des couleurs et donner de la profondeur au tableau.»

Peintre coloriste, elle aime faire chanter les couleurs sur son tableau, jouer avec l'ombre et la lumière et créer ainsi une atmosphère sereine. Ses couleurs sont vives, chaudes, chatoyantes et lumineuses. Elle n'utilise jamais le noir car les couleurs mélangées à celui-ci deviennent ternes et sans éclat. Préférant fabriquer son propre noir avec les couleurs complémentaires, il devient plus riche et vivant.  Dans certaines de ses toiles, elle s'inspire du Cloisonnisme et des vitraux médiévaux en traçant des lignes de contour à l'aide d'un cerne relief noir, argent ou doré pour faire ressortir davantage les couleurs et délimiter les formes.

Les sujets de prédilection qui l'animent, sont essentiellement dirigés vers la NATURE. Elle aime représenter le monde végétal et naturel qui symbolisent pour elle la VIE. «Les fleurs me fascinent au plus haut point et m'attirent particulièrement par leur beauté, leur fragilité et leur côté éphémère à qui je redonne une deuxième vie intemporelle.

artiste peintre

Démarche artistique

J’ai repris goût à la création et à l’expression artistique à l’Atelier l’Élan, dans un espace de l’édifice Belgo à Montréal où Suzanne Lapierre animait des ateliers de peinture acrylique avec l’approche du Frère Jérôme. C’était en 1994. L’approche de la gestuelle du Frère Jérôme m’a amenée à poursuivre une pratique artistique assidue depuis. Cette pratique autodidacte a été ponctuée de formations formelles et d’ateliers auprès d’artistes reconnu.e.s et a pris diverses formes axées sur l’exploration des techniques, des médiums, des approches, en dessin et peinture et depuis quelques années de manière soutenue en sculpture/modelage avec l’argile.

Pour mes dessins sur papier comme sur toile, j’utilise tous types de médiums bien que j’affectionne particulièrement l’acrylique car elle s’adapte bien à mon rythme rapide de travail et le fusain en raison du rendu émotionnel qu’il permet à lui seul. Mes représentations picturales ont varié de l’abstrait au figuratif et sont souvent un mélange des deux. 

J’utilise souvent des applications logiciels de dessin et de peinture pour faire mes premiers croquis avant de produire sur un support physique. Cependant je me sers des applications logicielles de dessin principalement pour accompagner mon propos dans les médias sociaux et mes blogues. Je publie en fonction de ce qui me touche dans l’actualité sociale et politique. Je me sers de l’image pour afficher mes prises de positions. 

Je me suis mise à la sculpture avec l’argile,  il y a sept ans. J’aime toutefois associer  la peinture à la sculpture dans les décorations de certaines pièces, non pas pour mettre en valeur des dimensions mais plutôt pour brouiller  les pistes de décodage. L’humour n’étant jamais très loin. Le façonnage avec l’argile a été une découverte majeure pour moi. Il m’a permis d’explorer les formes et la face souvent cachée des choses. 

Les thèmes qui m’occupent concernent la sensibilité, la présence, les émotions de l’humain, de l’animal et de la nature. Certain.e.s artistes ont été et sont encore des sources constantes bien qu’éclectiques d’inspiration, par exemple: l’univers trouble de Diane Arbus, le monde onirique et érotique de Leonor Fini, le geste puissant de Marcelle Ferron, l’obsession de Giacometti, la grâce touchante de Margie Gillis, le message féministe et engagé de Kiki Smith et Niki de Saint Phal, la révolte sourde de France Théoret, l’humour vital et la conscience de Louky Bersianik.

Mes façonnages à l’argile sont cuits et patinés ou émaillés et de dimensions variées allant de 3 pouces à 36 pouces; en ronde bosse, en haut et bas reliefs. Tous les ans, je consacre une partie de mon temps de création et de production à la création  d’une statue en hommage à une créatrice québécoise qui a contribué à l’évolution des femmes dans notre société et ailleurs.  Le plus souvent dans le domaines des arts et de la littérature. La représentation statuesque des femmes fait grandement défaut dans notre paysage au Québec et c’est là ma façon de contribuer à assurer leur mémoire. En exemple : Suzanne Guitté, Gabrielle Roy, Marie Uguay, Rina Lanier, Louky Bersianik, Pol Pelletier et exceptionnellement les Citoyennes (Idola St Jean, Thérèse Casgrain et Marie Gérin-Lajoie) Toutes ces sculptures sont en installation permanente dans des espaces publiques ( céramique et/ou coulées en bronze). C’est là leur vocation.

Je dessine et façonne beaucoup de têtes et des parties de corps.  Je recherche les traits qui témoignent de la vérité des personnages  sans chercher à reproduire fidèlement la ressemblance. Une forme d’inspiration relativement nouvelle depuis trois ans : les œuvres littéraires. Historiquement c’est plutôt l’inverse qui se passe : des écrivains s’inspirent de l’objet sculpté. L’inverse se voit en illustration, rarement en sculpture. Une belle découverte que j’aimerais explorer davantage car c’est une façon de m’approprier pleinement l’univers romanesque ou poétique de l’auteur.e. Cela donne naissance aussi à un dialogue non intellectuel à distance. Dialogue par objets interposés en quelque sorte, qui ouvre la voie à une nouvelle manière de comprendre ou appréhender l’autre. 

Originaire du Saguenay, Hugo Aubin, alias gohu, est issu du domaine des arts graphiques et y évolue depuis plus de vingt ans comme directeur artistique et graphiste. En 2014, il décide de consacrer son talent de designer graphique à l’art et il commence à exposer son travail artistique en solo et en groupe au Québec et au Canada. Il est lauréat à plusieurs reprises de l’Expo-concours de La Prairie.

Sa recherche picturale réside entre deux univers : l’abstrait et le figuratif. Son inspiration provient de cet équilibre fragile coexistant dans la spontanéité intuitive de l’art imprimé. Il la conçoit à partir de photographies, de dessins, de taches d’encre et de textures variées. Toujours attiré par la dimension numérique, il a créé une nouvelle iconographie d’expression hybride lui permettant des variations infinies. Celle-ci lui offre la possibilité de remodeler les matrices, de changer les perceptions des images et de reconstituer des environnements ouverts à l’imaginaire.

Aujourd’hui, le cœur de sa démarche artistique est l’art imprimé sous toutes ses formes, tant à son atelier que derrière son ordinateur. Ses conceptions numériques sont imprimées sur différents supports : le papier d’Arches, le plexiglass, le bois, le tissu et surtout l’aluminium brossé.

Raymond Aubin est un artiste en arts visuels. Ses œuvres ont été présentées régulièrement dans le cadre d’expositions individuelles et collectives, notamment, à la Maison de la culture de Longueuil, à la Nuit blanche d’Ottawa-Gatineau, à la Galerie Montcalm, à la Galerie d’art de l’Hôtel de Ville d’Ottawa, au Musée d’art contemporain des Laurentides, à Art souterrain et au Centre d’exposition Art-image. Il a été boursier du Conseil des arts et des lettres du Québec. Actuellement membre du conseil d’administration de Culture Outaouais, il a été administrateur de plusieurs autres organismes en arts. Il détient un baccalauréat en arts et en désign de l’Université du Québec en Outaouais.

Artiste interdisciplinaire/ designer d’espaces

J'ai fait mes études en arts plastiques au Cegep du Vieux Montréal, ensuite à l’université Concordia en Design graphique (old school), au Cegep de Drummondville dans le tout premier programme de Technique de sonorisation et d’enregistrement musical, puis à L’université Laval (dans leur tout premier programme également) en design multimédia. Designer d'espaces numériques (cyberespace) depuis 1994.

Mon approche reste campée dans l'art actuel et l'installation (concrète et/ou virtuelle.) Malgré la scénarisation et pistes/indices subtiles de lecture donnée ; je convie les gens qui visitent mes installations à trouver le sens qui leur convient, sans forcer la compréhension. Je nage dans le flou et j'aime me laisser guider par le flou, l'inconnu, le ressenti. J'aime mettre l'irréel dans le réel. Parfois j'entends un écho une résonnance, une autre sensibilité vivante. Et ça me nourrit.

Juli Aubin

Disciplines : Peinture, Dessin, Collage

Native de la ville de Québec, Catherine Auger détient un BAC en Beaux Arts de l'Université de Concordia ainsi qu’un DEC en arts plastiques. Elle participe plus tard à plusieurs expositions collectives à Québec, à Montréal ainsi qu’en Australie où elle étudie en peinture et histoire de l’art pendant un an. Parallèlement à sa production personnelle, elle travail comme peintre scénique depuis 2006.

Peintre de formation, sa production artistique inclut aussi des installations et des animation 2D, tous, quelque peu métaphoriques. Ses oeuvres traitent des notions d'identités, de souvenirs, du temps et d’états d’âmes. Avec un rythme de vie plutôt nomadique, ses réalisations sont grandement influencées par ses nombreux voyages à travers le monde, dont ceux en Asie. Son travail récent inclus des techniques de papier découpé où le style pictural nous rappel celui de ses peintures. L’allégorie reste une constante dans son style artistique, intégré dans un environnement parfois surréaliste.

Diplômé de la Faculté des beaux arts et d’architecture de l’université libanaise à Beyrouth, ma pratique artistique se déploie à partir d’une réflexion sur les thématiques du déplacement et de la disparition. Au moyen d’œuvres sculpturales et installatives, j’investis les omissions des récits dominants véhiculés par des réalités sociétales, politiques et idéologiques du monde contemporain. De par ma propre identité hybride et mon vécu personnel, mon travail explore la mutation non négociable du corps et de l’esprit par les empreintes du temps et par l’entremise des interactions sociales. Ce cycle continuel de (dé)constructions et de (dés)organisations des repères devient malgré moi source de création alimentant une pensée en perpétuelle transformation et en constante recomposition à partir d’une mémoire visuelle, auditive et corporelle. Dans cette quête du remodelage des repères au niveau de l’entourage immédiat, j’explore simultanément les questions de la perte et de la recherche de nouveaux repères culturels et géographiques.

Ma démarche et mes préoccupations artistiques portent principalement sur les matériaux recyclés. Mon matériau de prédilection, le papier journal, est un choix en lien direct avec les notions de transformations et d’hybridités identitaires. Le papier journal est lui-même en perpétuelle transformation puisque techniquement un changement au niveau de sa couleur s’opère à partir du moment où la lignine (un biopolymère du bois présent dans le papier journal) réagit face à l’air libre par oxydation. Ces journaux aujourd’hui abandonnés sur les bancs publics et dans les stations de métro de la région métropolitaine de Montréal, portent aussi en eux les traces d’un passé, racontent le vécu des gens et documentent les liens qu’on essaie de tisser… c’est en quelque sorte un journal intime d’une société, d’une ville. La superposition du papier journal suivi du travail de modelage et de compression est ainsi à l’image des couches identitaires juxtaposées qui nous constituent. L’identité plurielle des êtres hybrides est en parfaite adéquation avec le volume et les formes sculpturales que je propose. En recyclant le papier, je parviens à «faire un meilleur avenir avec les éléments élargis du passé» comme disait Goethe.

Artiste peintre, sculpteure

Carole Baillargeon vit et travaille à Deschambault-Grondines. Elle poursuit son travail de création depuis une trentaine d’années, ce qui l’a amenée à réaliser de magnifiques projets au Québec, en Amérique et en Europe.

On peut sans aucun doute dire que sa pratique artistique est, ce qu’on pourrait qualifier d’hybride, comme elle touche les arts visuels, la scénographie et parfois même des techniques artisanales. Elle a reçu plusieurs prix dont le prix Hommage en métiers d'art lors des prix Excellence Arts et culture en 2016; en 2000, pour son rayonnement international, lors des prix de la culture des Régions de Québec et Chaudière-Appalaches et en 1993, le premier prix Ville de Québec de la Biennale Découverte. Elle a aussi reçu l'appui financier du Conseil des Arts du Canada et du Conseil des Arts et Lettres du Québec.

En 2015 et 2016, la circulation de l'exposition Paysages-Vêtements, qu’elle a réalisée sur une période de quinze années, a permis de présenter ce vaste ensemble à Montréal, à Trois-Rivières, pour terminer au Musée d'art contemporain de Baie-Saint-Paul qui lui a consacré tout le rez-de-chaussée pour présenter la version intégrale, de février à avril 2016.
Enfin, elle a complété la scolarité de doctorat en études et pratique des arts à l'Université du Québec à Montréal, une maîtrise en arts visuels, spécialité arts textiles et un baccalauréat en scénographie à l'Université Concordia.

Brigitte Baillargeon, ou son pseudonyme Béalou, vit et travaille à Sherbrooke. Elle est  bachelière de l’Université Bishop en arts visuels. 

Son intérêt pour l’art-thérapie l’amène à développer son travail par un cheminement essentiellement intuitif et sensible qui explore l’intériorité. L’imagerie se manifeste principalement sur toile ou sur papier.

Les œuvres de Brigitte ont été présentées à Sherbrooke, à Danville, à Saint-Camille ainsi qu’à Montréal. Elles font partie de la collection de prêts d’œuvres d’art de l’Artothèque de Montréal ainsi que de collections privées au Québec et en France.

Je vis et travaille à Montréal et à Maricourt dans les Cantons-de-l'Est.

Ma pratique artistique est interdisciplinaire et se manifeste principalement sous forme de sculptures, d’installations in situ, d’art textile, de techniques mixtes et de land art.

Mon travail est caractérisé par l’utilisation de matériaux issus de la nature et d’autres matériaux organiques et inusités. J’illustre des idées telles les blessures, les traces, la mémoire des gestes, l’adaptation et la résilience. Mes interventions sur la matière sont minimales et ma démarche est axée sur le processus et l’étymologie des mots.

Je suis aussi archiviste pour des artistes de carrière et je fais du bénévolat à l'Herbier Marie-Victorin au montage des spécimens végétaux.

Services offerts : Archives et dossiers d'artistes, Préparation de portfolio (gestion de contenu et infographie), Numérisation, Inventaires pour succession

Flavie Barberousse est née en France en 1983. Elle a étudié en sciences et obtenu une maîtrise en génie écologique en 2006. Après un détour par la Polynésie française pendant lequel elle a été marquée par l’omniprésence de l’horizon, elle s’est installée au Québec en 2009 où elle a repris ses couteaux à peindre avec l’intention de se commettre publiquement. Elle a depuis présenté ses œuvres dans plusieurs expositions collectives et individuelles, en particulier en Gaspésie où elle réside depuis 2017. Elle a d'ailleurs été nommée parmi les trois finalistes du premier Prix Relève Artistique Télé-Québec de la Gaspésie en 2020. Ses tableaux se retrouvent dans plusieurs collections privées en France, au Québec et au Nouveau-Brunswick.
En parallèle de sa pratique individuelle en arts visuels, Flavie Barberousse n’hésite pas à multiplier les expériences artistiques au gré des rencontres. Elle a ainsi participé à des événements d’art in situ, elle collabore présentement aux décors d’une pièce de théâtre, et a quelques projets d'albums illustrés qui mijotent. Ce sont autant d’occasions d’exploration, d’improvisation, d’apprentissage et de collaboration qui nourrissent l’ensemble de sa réflexion autour de la création artistique et de la place des arts visuels dans notre société. Son implication comme administratrice de la Maison de la Culture de Grande-Rivière s’inscrit également dans une démarche de médiation culturelle avec pour principale mission l’accessibilité des arts et de la culture dans toutes leurs formes et auprès de tous les publics.

Artiste sculpteur de région nordique, partagé entre l'éphémère et l'éternel, je vis à chaque jour le défi de choisir.  J'ai réalisé des oeuvres publiques au sommet du Rigi, au fort Gibraltar, sur le mur de la Polyno, devant le CLSC des Aurores boréales, dans le parc botanique à Fleur d'eau, sur le lac Abitibi, sur les plaines d'Abraham, etc.  Ma démarche artistique étant intimement liée à mon environnement, un lieu paradoxal de confrontations et de symbioses Homme/Nature, dans un relation amour/haine, plaisir/danger, travail/survie.  Du même coup, ces gestes antagonistes se sont installés dans mon esprit comme des outils de création et participent au choc quotidien de l'art dans ma vie.   La survie reste encore la meilleure issue, non seulement la mienne mais aussi celle des idées, des objets, des formes, des matières déjà créées que je réchauffe et que je rassemble afin de donner un nouveau sens à leurs existences et à la mienne.

Née en 1964 à Ste-Sophie-de-Lévrard, Francine Beaudet est la troisième d’une famille de six enfants. Elle grandit sur une ferme à la campagne. Fascinée par l’art, déjà au primaire elle participe à plusieurs concours de dessin. C’est à l’adolescence qu’elle développe un vif intérêt pour la peinture grâce à un cousin qui avive son rêve de devenir artiste peintre.

Mère de deux garçons, après avoir travaillé et consacré une partie de sa vie pour eux, c’est en 1992 qu’elle entreprend ses premiers cours de dessin et de peinture.

En 2001, elle décide de s’investir davantage dans sa communauté, en offrant entre autres, des ateliers de peinture et de dessin pour petits et grands, en siégeant sur le comité d’un festival et en organisant diverses activités régionales.

Depuis 2004 elle a cumulé plus d’une vingtaine d’expositions collectives et individuelles au Québec. Ses œuvres font partie de collections publiques.

C’est en 2015 qu’elle prend la décision de s’abandonner totalement à son art. À présent, elle travaille à temps plein sur sa carrière artistique et souhaite ardemment faire voyager ses œuvres au-delà des frontières.

Je suis une artiste principalement figurative dans une forme plutôt classique. Je produis parfois des oeuvres abstraites.Mes oeuvres sont principalement à l'huile. Mais j'aime bien travailler l'acrylique et le pastel sec. Je recherche à créer des oeuvres qui ont une structure narrative qui explorent nos expériences, nos émotions, nos rêves. Mon travail priorise les principes esthétiques et une rigueur technique. Mes sujets sont très diversifiés et recherchent à illustrer la beauté dans les choses les plus simples et leur redonner leur pouvoir d'émouvoir et inspirer.

Lorraine Beaulieu vit et travaille à Trois-Rivières (Québec). Elle travaille plusieurs médiums et est inspirée par les questions d'identité culturelle et les relations de l'homme avec son environnement. Depuis 2001, elle a developé une pratique sculpturale où elle utilise principalement des objets tirés du recyclage  tels que des bouteilles d'eau vides, parapluies et journaux et les amène dans un nouveau cycle de vie. En 2007, son engagement artistique l'amène en Antarctique. Elle travaille aussi le 2 D (images numériques and dessins) et récemment elle intervient avec des performances dans l'espace publiques.   Elle a exposé dans plusieurs pays d'amériques du sud et d'Europe.  En 2014, en Grèce, elle a présenté   Sisyphus, une sculpture avec laquelle elle a performé.  Elle a obtenu plusieurs bourses pour des réalisations participatives  et des projets de commissariat. Elle est coordonnatrice de la Gallerie d'art R3, Université du Québec à Trois-Rivières, Canada.(http://www.lorrainebeaulieu.com).

André Bécot a étudié à l’École des beaux-arts de Montréal et à l’Université de Québec à Montréal. Depuis 1970, il participe à de nombreuses expositions individuelles et collectives et il effectue de nombreux stages au Québec, aux Etats-Unis, en France et en Italie. Dans la création de ses œuvres, il utilise à l’occasion les nouvelles technologies. De plus, depuis plusieurs années, il organise de nombreux événements dans le domaine des arts visuels, notamment pour le Club des collectionneurs en arts visuels de Québec. Son travail actuel est concentré sur la représentation de symboles et d’icônes politiques, sociales et économiques. Né à Arthabaska, André Bécot vit et travaille à Québec depuis 1972. Après des études à l’école des Beaux Arts de Montréal(1967) et à l’Université du Québec à Montréal(1972), il obtient un poste comme professeur en arts plastiques au Cégep de Sainte-Foy. Il est également professeur chargé de cours de 1976 à 1977 à UQATR et, à UQAC, en Arts du feu de 1980 à 1983. Andre Becot has a BFA from l’Université du Québec in Montréal. He was an administrator for the Conseil de la sculpture du Québec and for the RAAV for several years. In 1989, his project << Harmonique >> was awarded the silver medal for sculpture at the << Jeux de la francophonie >> in Morocco.

Alain Bédard est né à Québec, le 4 octobre 1958.

Il est membre professionnel du RAAV (Le regroupement des artistes en arts visuels) du Québec.

En 1976, il s’inscrit au Collège de Sainte-Foy à Québec où il poursuivra durant 3 ans, des études en techniques graphiques. 

À l’automne 1979, il ira étudier à New York pour perfectionner ses techniques d’illustrations.

De 1980 à 1984, il débute ses études en communication graphique à l’université Laval de Québec. Il aura le privilège d’avoir comme professeur d’illustration et de graphisme, Monsieur Claude A. Simard. À la fin de ces trois années universitaires, il obtient son baccalauréat en graphisme. 

En 1984, il travaille pendant un an pour plusieurs grandes entreprises de publicité à Québec comme graphiste, designer et illustrateur.

Il fonde son propre bureau de graphisme en 1985 et s’associe à plusieurs campagnes publicitaires au Québec jusqu’en 1992. 

Depuis 1992, il se consacre essentiellement à la peinture et à la promotion de l’art. Il est propriétaire-fondateur de l’entreprise « Les cartes pôle nord » qui se spécialise dans la création, la diffusion et la vente de cartes de souhaits réalisées par des artistes canadiens.

En 2012 et pendant plus d’un an, il aura la chance d’avoir comme mentor son ami Claude A. Simard, un des plus importants peintres canadiens depuis les 35 dernières années.

Animé depuis toujours par le besoin d’exprimer en couleur ses émotions et ses découvertes, l'art figuratif deviendra pour lui un mode de vie et de communication. 

Aujourd’hui présent dans plusieurs grandes galeries d’art au Canada, Alain Bédard se démarque par ses peintures colorées, lumineuses et vivantes. 

Ses œuvres font partie de plusieurs grandes collections privées canadiennes, américaines et européennes.

Artiste professionnel, membre du RAAV 

Sculpteure multidisciplinaire. 

Varie au gré des expériences, les médiums utilisés. À son actif; bronze, aluminium, installation.

Formation baccalauréat en Visual arts de l'université Concordia, formations spécifiques en sculpture variées .

Participation à plusieurs événements d'arts en peinture et sculpture notamment au Symposium Marcheurs d'étoiles de Lac Mégantic. 

Travaille à son atelier personnel à Terrebonne ainsi qu'à l'atelier 213 à Laval. 

Page facebook: BÉÈRE Sculpture

Ronald Bélanger
Biographie ;

Natif des Hautes Laurentides au Québec, Ronald Bélanger a choisi en 1971, de vivre et d'entreprendre sa carrière en arts visuels en Ontario. Il a d'abord privilégié les paysages à l’huile  comme moyen d'expression mais dès 1981, il réalise un rêve, étudié à  Ontario College  of  Art à Toronto .Il explore toute  la  gamme des  médiums, fusain, sanguine,aquarelle, huile, acrylique,    eau forte, lithographie, sérigraphie, gravure sur bois,  aussi la sculpture et le multimédia. Depuis 1984, il a réalisé plusieurs projets  et expositions au  Canada, USA  et  en  Europe.  Ses œuvres  ont été présentés dans plusieurs expositions individuelles et collectives au Québec, en Ontario, USA, au Mexique, à des biennales et expositions par jury à travers l'Europe, l'Amérique du Nord et du Sud. On retrouve ses œuvres dans plusieurs collections publiques et privées au Canada,  en  Europe, en Afrique.

Préoccupé par le passage du temps, l'artiste explore les thèmes  des saisons,  les phénomènes de renaissance, croissance et de métamorphose. Son expérience  comme  peintre  a influencé la manière dont il travaille dans les autres mediums. Cette expérience a en effet développé le besoin de pénétrer les surfaces visibles, mordant et laissant  avec  ses  pinceaux des empâtements  sur la  toile  pour  dévoiler  "l'infini" qui se cache derrière le visible.

« Je crée des intrigues visuelles qui touchent le subconscient, le cœur, l’âme et l’essence peu importe que le spectateur soit jeune ou plus mature. Je crée ce qui n’existait pas sauf peut-être dans un autre monde ou dans une partie inexplorée de notre univers ». 

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Artiste peintre contemporain

PIERRE BELLEMARE / DÉMARCHE

L'inspiration première de Pierre Bellemare se caractérise par l'énergie, le rythme et l'action, reliés à différentes mosaïques culturelles et musicales. Par la couleur, la lumière, la texture et des notions de calligraphie, la matérialisation musicale se déploie sur toiles.

Pour l'artiste, la couleur a une vibration qui s'apparente à la musique. Cette vibration nous convie à voir un monde qui s'exprime par l'énergie de l'abstraction plutôt que des images ou des mots. Cette liberté du geste, dans une pleine conscience du moment présent, repose sur un fondement issu d'un amalgame de connaissances et de spontanéité artistique. 

Le design, l'équilibre et la structure sont pour le créateur, essentiels pour que l'oeuvre s'exprime vivement avec puissance dans son unicité.

« Au-delà du plaisir de peindre, toute la beauté de l'art abstrait réside pour moi dans le fait qu'il est sans frontière. Chacun, peu importe sa culture ou son origine, peut s'y retrouver, ressentir des émotions qui lui sont exclusives ».   Pierre Bellemare

À PROPOS

Pierre Bellemare est détenteur d'une formation en art et d'un baccalauréat en communication graphique.

À titre de concepteur infographiste, il  a fondé l'agence Bellemare design graphique. Il réalisa de nombreux mandats à caractère national et international, dont certains d'entre eux furent publiés dans plus de 65 pays.

À titre d'artiste peintre, il expose dans différentes galeries au Canada et aux États-Unis. Il participe à des expositions collectives tant au Canada qu'en Europe.

Depuis qu'il se consacre à son art en totalité, ce sont les voyages et la musique qui sont les grandes sources d'inspiration pour Pierre Bellemare. Ainsi, les différentes cultures des pays visités tant en Europe, en Asie qu'au Moyen-Orient, lui inspirent des couleurs vibrantes qu'il prend plaisir à utiliser pour créer ses oeuvres.

Ses tableaux se retrouvent dans des collections privées et corporatives en Amérique du Nord, en Europe, en Asie et en Océanie.

Native de Montréal, Jocelyne Bellemare cumule plus de 20 ans d’expérience à travers son art. Bachelière en Histoire de l’art, à l’UQAM et artiste-maquilleuse du 7e art, elle n’a jamais cessé d’oeuvrer dans le milieu artistique.
Elle bénéficie de cours particuliers en arts visuels, pendant plus de 5 ans ( Beaux-Arts Mission Renaissance, Montréal et Centre Saidye Bronfman, Montréal). Elle a participé à diverses expositions collectives.
2015, « Two for the road », Splash design, Montréal, collectif; 2002, Galerie Artus, Montréal, collectif; 1995, Galerie RayMonde, Laval, collectif; 1995. Studio V.Donohue, Montréal, collectif; 1994, Centre culturel Brancusi, Montréal, collectif; 1994, Salon designers Spectra, ville St-Laurent, collectif. www.jocelyne-bellemare.com

Je suis un artiste photographe qui n’attend pas l’inspiration pour bouger mais qui la provoque.  Je me balade dans des lieux qui semblent hostiles à la création et cherche un sujet qui, au premier coup d’œil, me semble intéressant et tente de lui donner un autre sens, de le magnifier.  Ma pratique, peu importe le sujet, s’attarde à la texture, à la couleur, ainsi qu’à la forme de l’objet, cherchant à lui donner un autre sens, voire une nouvelle identité qui lui sera propre. 

Je photographie les objets sous plusieurs angles, ouvertures et à différents moments de la journée.  Par la suite, j’entreprends une série d’expérimentations.  Assez souvent, j’extrais, de son ensemble, une partie d’un objet et lui fais perdre son sens véritable.  Par la suite, à l’aide des logiciels Photoshop et Lightroom, ainsi qu’en effectuant plusieurs essais, j’arrive à trouver l’angle qui lui convient.  La collection Exploration d’un dépôt ferroviaireest une excellente représentation de cette démarche; des pièces de train toutes rouillées, en attente dans un dépotoir, deviennent soudainement une œuvre d’art.

La juxtaposition est également une technique utilisée, me permettant de faire découvrir aux spectateurs un tout autre sens à une situation donnée. Ainsi, trois ou quatre photos juxtaposées qui, lues de gauche à droite ou de haut en bas, suggèrent une action dans le temps et créent une nouvelle ambiance, différente de celle présente lors de la prise photo initiale.  La collection Mais où est l’astronaute? décrit  très bien ce cheminement. Les photos de plongée sous-marine changent de sens, une fois assemblées, pour suggérer à présent un voyage dans l’espace.

Assurément, le but de ma démarche est de donné un sens plastique et esthétique aux choses, de rendre beau ce qui semble anodin aux yeux de tous. 

Artiste autodidacte, Adeline commence sa pratique dans sa ville natale en France en 2006 lorsqu'elle décide de laisser sa carrière juridique pour devenir mosaïste professionnelle. Elle apprend en travaillant sur le terrain avec des maîtres mosaïstes canadiens, italiens et français.
Basée à Montréal, elle est aujourd'hui artiste mosaïste à part entière depuis 2011, et consacre de plus en plus sa création vers les œuvres en trois dimensions.

Par ailleurs depuis 2014, elle s'est donnée la mission de promouvoir les arts visuels à un large public, en proposant les ateliers d'art de la mosaïque aux élèves dans les écoles, en réalisant des murales avec la participation des citoyens dans les ruelles vertes, en ouvrant une école d'art mosaïque pour les enfants en Haïti. La capacité du médium en art-thérapie la conduit également vers les jeunes atteints de déficience mentale et du trouble du spectre de l'autisme. Il s'agit là de stimuler le potentiel créatif de chacun, d'inciter à l'ouverture vers soi, le soi intérieur, autant qu'à l'ouverture vers l'autre, et de proposer un autre moyen d'expression.

Roland Benoit est originaire de New Liskeard, Ontario. Il a étudié à l’Université de Montréal et après son baccalauréat en arts et lettres, il s’est établi au Québec. Il a œuvré dans le domaine des communications, notamment à titre de rédacteur et illustrateur. Au cours des années, il a poursuivi sa formation en arts visuels (dessin, peinture et techniques mixtes).

Sa démarche artistique repose sur deux thèmes, soit : l’identité et l’intériorité. Il s’intéresse particulièrement à la relation qui existe entre les deux. La symbolique fait partie intégrante de son œuvre.

Dans sa production récente,  il explore et représente les thèmes qu’il privilégie par l’abstraction lyrique ou la représentation semi-figurative. Il utilise principalement les techiques mixtes ou l’acrylique sur toile.

Montréalaise d’origine, Élise a depuis toujours dessiné et joué avec la couleur. Ses études en Arts plastiques au Cégep Saint-Laurent, puis celles en Design de l’environnement à l’UQAM, son baccalauréat en Communications graphiques de l’Université Laval ainsi que plusieurs séminaires et formations auprès d’artistes reconnus lui ont permis d’approfondir le monde de la couleur, de la composition et du dessin, tout en lui donnant une perspective historique assez vaste. Tous ces éléments font maintenant partie intégrante de son terrain de jeu créatif, et ce jour après jour depuis plus de 30 ans. Elle a participé à plusieurs expositions collectives et solos ainsi que des événements insitu.

L'artiste Caroline Bergeron de Québec est une créatrice d'émotions. Elle signe Aro, un diminutif de son prénom, et une déclinaison de 3 mots qui l'inspirent depuis toujours: Authenticité, Romantisme, Originalité. Aro explore l’interaction entre l'abandon complet à sa muse créative et une technique étroitement contrôlée, créant des œuvres vibrantes et texturées. On reconnait ses oeuvres par sa technique de peinture au couteau, l'aspect linéaire ou géométrique de ses oeuvres abstraites. Le talent d'Aro a été rapidement reconnu par des galeries d’art renommées et le Mondial Art Academia en France. Ses œuvres se retrouvent déjà dans un grand nombre de collections privées et corporatives, et ont également été exposées dans plusieurs foires d'art internationales au Canada, aux États-Unis et en Europe. Elle compte parmi ses collectionneurs la célèbre Mme Michelle Obama. Elle a ouvert la Galerie d'Art Aro à Stoneham près de Québec, à même son studio créatif. Ses oeuvres sont en exposition permanentes dans l'ouest Canadien et aux États-Unis. Chaque oeuvre a son histoire, je ne fais que la raconter!

NathB photographe (Nathalie Bergeron) est une photographe professionnelle et intervenante sociale reconnue pour ses projets de petites et de grandes envergures où l’humain est au cœur de ses créations et réalisations.

Diplômée en photographie au Cégep du Vieux Montréal en 1993, elle a obtenu un baccalauréat ès arts de l’UQAM en 2002 (certificats en perfectionnement de gestion, intervention psychosociale et immigration et relations interethniques) ainsi qu’une AEC en coopération internationale. Depuis l'automne 2018, elle se perfectionne en médiation culturelle via le programme de 2è cycle de l'UQTR qu'est Interprétation et médiation culturelle.

Pendant 15 ans, elle a travaillé comme intervenante sociale auprès des personnes vivant diverses situations de vulnérabilité, que ce soit au Québec, en Amérique latine ou en Afrique de l’Ouest. Tout au long de ces années, la photo a fait partie intégrante de son travail comme outil d’intervention afin de favoriser les rencontres, de collaborer avec les gens, tout en créant et en développant des liens de confiance. C’est par un beau concours de circonstances qu’elle a repris la photographie professionnelle à temps plein en 2008 en retournant vivre dans son patelin natal de Sorel-Tracy.

En plus de réaliser divers mandats professionnels en milieu corporatif et évènementiel, NathB développe de plus en plus d'ateliers de création photographique en milieu scolaire et en étroite collaboration avec les participants de tous âges et de tous horizons. Par la photo, elle permet aux participants de développer leurs apprentissages technique tout comme du développement des acquis et des différentes démarches artistiques personnelles propres à chacun en plus de favoriser l’estime et la confiance en soi, le sentiment de fierté, l’entraide et la réalisation de création collective.

NathB photographe est également la fondatrice et la coordonnatrice de projets de l'organisme LA CARAVANE DU BONHEUR ayant comme mission la réalisation de projets photographiques comme outil de mobilisation et d'intervention. Cet OBNL fut créé en décembre 2011 suite au projet photo 10 000 visages univers'elles sur les routes du Québec pendant l'été 2010 à bord de son autobus rose transformé en studio photo mobile.

Ayant obtenu plusieurs prix et mentions depuis la création de son entreprise en 2008, NathB photographe fut nommée Personnalité de la semaine La Presse à titre d’instigatrice du projet Inside Out à l'ESFL dans une école secondaire de Sorel-Tracy en juin 2014.

À titre de documentariste, Patrice est un storyteller se spécialisant dans les projets axés sur des thèmes sociaux, donnant la parole à celles et ceux qui n'en ont pas.

En tant qu'artiste photographe, Patrice fait appel à son expertise en tant que portraitiste animalier contemporain.

Contact sur Facebook : Gaetan Bernier

Manon Bernier est une artiste-peintre montréalaise, basée maintenant dans les Laurentides. Son travail, tout en se réclamant de l’abstraction, est inspiré des éléments de la nature et du vivant.

J'ai toujours été fascinée par les animaux et c'est sans surprise que je me suis spécialisée dans l'art animalier. Par mes oeuvres, je transmets ma passion pour la vie animale et sa préservation. Mon sujet préféré est l'oie domestique. "Pourqu'oie"? Tout simplement parce qu'elle ressemble à l'humain, étant grégaire et bipède. Ce qui me permets de l'humaniser dans son attitude et sa physionomie sans aller dans l'excès tout en respectant sa morphologie et ses caractéristiques propres à sa nature. Ces petites oies me permettent de passer par l'humour afin de conscientiser les gens au fait que les animaux sont des êtres vivants doués de sentiments tout comme nous, humains. Ce qui me singularise, c'est ma manière de favoriser l'animal au détriment de la précision de son milieu. Je me plais à jouer de couleurs et de textures qui ne font que suggérer ce qui permet à l'observateur d'imaginer le milieu de vie de mon sujet principal. La nature, les parcs animaliers et les éleveurs sont mes lieux d'observations. Le fait d'être peintre animalier ne me restreint nullement dans mon cheminement et la recherche de nouvelles techniques et médiums. J'ai le plaisir d'enseigner ce qui me stimule continuellement à découvrir et explorer. Cette pratique me pousse plus loin et c'est passionnant. Ma production actuelle est dirigée naturellement sur les oies mais aussi les chevaux. J'ai une préoccupation constante de bien rendre la morphologie ce qui demande étude et observation. Connaître le sujet me permet plus de liberté dans le mouvement et le gestuel. Derrière chaque peinture, il y a un moi qui parle et celui qui regarde a ses propres sentiments. Alors, je peins pour moi, pour mon plaisir et cela se ressent dans mes oeuvres.

Artiste Multidisciplinaire,
Démarche artistique
De ma spatule jaillit des flux percolant de mes expériences de la vie quotidienne ou sortant des sentiers battus

Site web: mbabum.com

Martine Bertrand mène une carrière internationale. Elle crée des costumes de scène dans les maisons d'opéra les plus prestigieuses telles que : le Teatro alla Scala à Milan, l'Opéra National de Paris, l'Opéra de Munich, l'Opéra de Stuttgart, l'Opéra de Norvège. C'est avec l'Alberta Ballet qu'elle signe les costumes du ballet portant sur la vie de Sir Elton John, Love Lies Bleeding.

Un nouveau vent artistique l'amène à dessiner à Paris sur le plateau du film Café de Flore de Jean-Marc Vallée, ses croquis sont publiés dans le livre portant sur la création du long métrage paru aux Éditions Alto.

Martine se consacre au dessin et affectionne plus particulièrement l'encre de Chine, les aquarelles, et parfois, coud des fils à même ses oeuvres. Ses traits sont vifs et intuitifs. Le genre humain voire la comédie humaine la fascine. Certaines oeuvres se transforment en narrations formées de regroupements de petits personnages anonymes.

Elle organise ses quinze expositions solos à Montréal, Toronto et Paris. Elle remporte plusieurs distinctions lors d'expositions collectives nationales et internationales.

2016 marque une nouvelle exploration dans son oeuvre. Elle conçoit le langage graphique des extra-terrestres du film ARRIVAL de Denis Villeneuve.

L'année 2019 s'annonce prometteuse pour Martine Bertrand. Tout en continuant sa production personnelle, elle dessine pour le département des décors pour DUNE , le prochain film de Denis Villeneuve.
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Martine Bertrand enjoys a well established international career that started in early 1980ies. She is the mastermind behind prestigious opera costume designs mainly for ballet; to name a few: Teatro alla Scala in Milan, L'Opera National de Paris, Bayerische Staatsoper , Stuttgart Opera, Norwegian Opera. It was in collaboration with the Alberta Ballet that Martine designed the dazzling costumes portraying the life of Sir Elton John in Love lies Bleeding.

While her love for costume designs remained ingrained in her, a different yet tantalizing new wind of inspiration hit while she is in Paris on the set of the famous movie Café de Flore de Jean-Marc Vallée. She beautifully captured the poetry of the scenes in her sketches that were included in book that was published in "Edition Alto" about the making of the movie. That was the beginning of a new wave of inspiration and creation.

Martine became fascinated with drawing and painting; she is particularly captivated by creations using India Ink, watercolors, and a mix of stitching within her painting. Her strokes are sharp and intuitive. She is lured by humanity in its multiple dimensions. The whimsicality of her characters is palpable. Her characters are portrayed with a keen eye of a vivid observer who thrives for an unfiltered representation of society. One close look at her miniature characters will instantly tell you a story or transport you into the canvas itself.

Whether it is in Montreal, Toronto and Paris, Martine Bertrand 15 solo exhibitions were a success, winning her multiple distinctions nationally and internationally.

In 2016, Martine applied her art designing the alien language used in the multi-award winning movie Arrival of Denis Villeneuve.

2019 is a promising year for Martine. While continuing her art work for multiple exhibitions and private collectors, she is working in art work for the upcoming Denis Villeneuve movie Dune.

Après l'obtention de son bac ès arts, une rencontre déterminante la dirige vers

une carrière internationale comme mime qui s'échelonnera sur une dizaine d'année. Elle s’exprime avec des décibels de silence gestuel. En marge de sa carrière d'interprète, elle enseigne au département de théâtre de l’université Concordia où elle s’investit totalement afin d’aider les jeunes étudiants à s’ouvrir aux processus créatifs.

Une maîtrise en mise en scène à l'UQÀM en 1995, lui révèle son sens de l’organisation spatiale et la conduit petit à petit vers les arts visuels. 

D’abord la sculpture la séduit, comme un retour au corps dans l’espace, puis suivent les installations qu’elle présente dans divers centres d’exposition et musées. 

Finalement entourée de professeurs inspirants elle se tourne vers la peinture à l’acrylique. L’étude de la couleur comme nouveau langage l’interpelle et c’est la découverte des jeux de l’encre sur le papier glacé qui déclenche chez elle un chavirement. 

www.luciebertrand.com

Sarah Bertrand-Hamel vit et travaille à Montréal. Elle a obtenu un Baccalauréat en arts visuels de l’Université Laval en 2006 et une Maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia en 2014.

Que ce soit avec ses crayons ou avec sa machine à coudre, essentiellement, Sarah Bertrand-Hamel dessine. Curieuse et attentive aux matériaux qu’elle utilise, ses recherches l’ont amenée à fabriquer son propre papier. Depuis, chaque feuille est différente, chaque lot a sa spécificité et ces particularités inspirent le travail subséquent.

Fascinée par l’impermanence et la singularité, l’artiste crée des images qu’elle répète et réinterprète, fragmente et recompose. Elle s’intéresse à la transition, au passage, au glissement entre ces images. Elle trace le changement, veut rendre visible le temps.

Sarah Bertrand-Hamel a exposé au Québec, en France, au Mexique, à Cuba et au Japon. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de Loto-Québec, du Cirque du Soleil et du Musée national de la céramique de Guadalajara. Elle est représentée à Montréal par la Galerie Joyce Yahouda.

Photographe, enseignant et directeur de programmation

Jean-François Bérubé mène une carrière fructueuse depuis plus de trente ans, entremêlant son métier de photographe avec un travail de recherche purement artistique et l'enseignement. Ses productions personnelles ou de commandes sont présentées au Québec, au Canada, en Europe et aux États-Unis.

Il est cofondateur des Rencontres internationales de la photographie en Gaspésie, et a codirigé cet événement en tant que commissaire aux expositions jusqu'en 2014.

Depuis plusieurs années, Besner se consacre exclusivement à la peinture dans sa recherche d’une esthétique pour représenter sa vision du monde. Ses tableaux, colorés et émouvants, s’inspirent de ses études en architecture, de ses maîtres à penser en peinture et de ses rencontres au fil des ruelles de Montréal. Ses tableaux témoignent d’un regard insistant et ludique sur le monde qui nous entoure.

Biographie de Marie Diane Bessette

Peintre de la nature, et avant tout des arbres, elle a choisi les Laurentides pour y vivre et créer.

Elle toujours eu de la facilité à s’exprimer par le dessin.

Elle étudie les arts au CEGEP du Vieux-Montréal où elle touche à plusieurs médias. Par la suite, elle poursuit sa formation artistique au Centre des arts visuels et à l’Université Concordia, en dessin, en peinture à l’huile, puis en peinture émotionnelle avec Madame Rita Brianski.

Peintre semi-figurative de la nature, sa démarche créative à l’écoute de la vie est un voyage intuitif hors du temps vers une nouvelle perception des lieux et des espaces.

Pour explorer les textures, elle intègreà l’aquarelle des multimédias par des touches de pinceau et de spatule sur toile ou panneaux de bois. Son choix des couleurs se retrouve dans les éléments de la nature environnante: les ocres de la terre, les bleus et les verts de l’eau, les couleurs feu de l’automne comme les blancs de l’air. Sa recherche de l’énergie qui circule entre les objets de la nature et nous, se reflète par une atmosphère qui rend la terre bleue et le ciel ocre.

Elle pratique et enseigne une méthode de dessin qui cultive le potentiel créateur en faisant taire la logique pourmieux voir le monde auquel nous sommes liés. Hors du temps, l’être entier y participe. D’une manière spontanée, elle suggère, plus que démontre, sa perception de l’esprit des choses et de l’espace qui les entoure, comme le rythme de l’eau, l’enracinement des arbres, la succession des saisons ou la danse des oiseaux. 

Son œuvre est importante et lui permet d’explorer d’autres recoins de sa créativité. Elle produit autant des tableaux de petite dimension, que de format moyen et de grand format. Plusieurs de ses tableaux sont des diptyques et des triptyques.

Né à Val-Morin (Québec) 1947, Jean Bisson Biscornet, d’origine métis, est un sculpteur et plasticien québécois qui, de façon autodidacte, apprend la céramique. C’est à partir de 1989, lors d’un séjour  prolongé en France, qu’il découvre le granit. En Bretagne, Bisson Biscornet assiste l' architecte  sculpteur hongrois Pierre Székely (1923-2001) qui va lui enseigner  l'Art  monumental et le travail sculptural  du granit. De retour au Québec, dans les Laurentides, il se tourne de plus en plus vers la réalisation de sculptures  de moyennes et grandes dimensions. Il travaille  la pierre  native  du canton de Morin, " Anorthosite". Les matériaux qu'il utilise dans son travail sont très variés, allant de la pierre à l'argile, l'acier ou du bronze.  Il tire ses sujets de la vie qui l'entoure, qu’il met en scène dans sa vision magique et symbolique du monde. À partir des années 90, il participe à plusieurs symposiums de sculpture sur pierre au Canada et à l’international, dont celui de Perros- Guirec, Bretagne(1998) , Iqaluit , Nunavut (1999), Saint-Faustin , Québec (2007et 2008) ,  Matran, Suisse (2009) , Louvigné du Désert , Bretagne( 2007),  et celui  de Boisbriand, Québec en(2012). Il collabore depuis 1989 à l'événement 1001 Pots , événement céramique National et il exécute plusieurs sculptures de métal intégrées au  site du  "Jardin de Silice " de M. Kinya Ishikawa  à Val-David . En 2017 il reçoit le prix Kathleen M. Laing remis pour sa contribution à la céramique au Québec. En 2015, une de ses œuvres de pierre est acquise pour la nouvelle Maison du Canada à Londres. Ses sculptures font partie de plusieurs collections privées et publiques, dont La bibliothèque de Westmount, le Musé amérindien, Mont Saint Hilaire,  Trois sculptures de granit (Musé du granit La Clarté, Perros-Guirec,)  Bretagne, France, la tour AIMIA Montréal. Le couloir aérobique Municipalité Montcalm. Parc des Créateurs , Parc linéaire des Laurentides et Parc des amoureux , tous pour la municipalité deVal-David.

Notice biographique

Gilles Bissonnet

Titulaire d'une maitrise en histoire de l'art et d'un baccalauréat en arts plastiques de l'Université de Montréal, Gilles Bissonnet œuvre dans des champs d'intervention multiples. Professeur, artiste interdisciplinaire et sculpteur de formation, il compose des ensembles sculpturaux éphémères ou permanents, qui prennent forme dans l'espace public en s'appuyant sur l'architecture et le mobilier urbain standard. Son travail s'articule autour des rapports sociaux, de l'échange et de la communication : Le Parc Éphémère (1995) révèle le politique et le culturel du Plateau Mont-Royal, L'Espace revisité (1997) expose la problématique des jeunes de la rue, tandis que L'Urbaine Urbanité (2002, 2003 et 2005) explore les questions liées à la «gentrification» de certains quartiers de la ville, tout en démontrant que l'intérêt général peut mener à la création d'une dynamique en art public. Plusieurs collaborations avec des revues spécialisées en art actuel témoignent, par des textes critiques et divers dossiers, de l'engagement professionnel de l'artiste. Gilles Bissonnet est boursier du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des Arts du Canada.

Depuis plusieurs années, son champ d’intervention est multiple, composant avec des sculptures/architectures et du mobilier urbain standard, dans l’espace public; les installations interpellent le spectateur et l’invitent à participer. L’interaction entre le public, le lieu et la sculpture demeure le pôle important de son travail. Dans ce contexte, le public par sa présence et sa participation produit une part de l’œuvre d’art. De plus, ses interventions dans l’espace public modifient le rôle traditionnel de l’artiste et de l’objet dans l’espace. Par des projets éphémères, le refus des valeurs traditionnelles du monumental et l’implication sociale de l’artiste dans le développement de l’œuvre d’art, sa problématique va dans le même sens que la proposition amenée par François Barré, Directeur du patrimoine (Ministère de la culture, France) «Le monument succède aux monuments. L’important dans la ville, ce ne sont pas les objets, c’est ce qui existe entre les objets. C’est la relation. C’est l’appropriation, le trajet qui devient projet ; quelque chose qui ne s’inscrit pas dans un empire du regard fasciné par l’unicum. Relation, transformation, médiation... cela, les arts plastiques l’ont complètement annoncé et réalisé[1].».

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[1]. François Barré, «L’art face à l’administration», Hors lieux, Strasbourg, éditorial no 2, septembre 2000, p.1.